En esta performance de múltiples capas, Sábado nos lleva a través de una narración que explora las tensiones entre creación y destrucción, luz y oscuridad, mito y contemporaneidad. La obra utiliza la metáfora del fósforo -un objeto aparentemente trivial, pero cargado de potencial- para cuestionar el impacto de las decisiones humanas y el papel de la tecnología en el arte.

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Dividida en tres momentos, la performance combina lenguajes visuales, verbales, sonoros y corporales para crear una experiencia participativa y reflexiva. En el primer momento, La Noticia, se presenta al público el robo ficticio del "último fósforo de la humanidad" mediante una proyección de noticias y la performer, que asume el papel de reportera. El segundo momento, El Mito, transporta a los espectadores a una narración atemporal sobre los siete hijos de la oscuridad, cada uno de los cuales porta un fósforo con un propósito divino. El público, con los ojos cerrados, recibe cerillas encendidas mientras se sumerge en una historia que reflexiona sobre las consecuencias de la envidia y la pérdida del potencial creativo. El clímax llega en el tercer momento, Caos y Revelación, donde la tensión crece con una denuncia anónima y un ultimátum. El público, envuelto en sonidos e imágenes, es guiado hacia en un estado de incertidumbre, hasta que la performer hace una última revelación. 

 

La obra reflexiona sobre la intersección entre el tiempo mítico y el cronológico, utilizando la tecnología -como la IA para imágenes, sonidos y animaciones- no como sustituto de la creatividad humana, sino como herramienta para ampliar sus límites. Mezclando temas universales con elementos contemporáneos, "Aquí yace el fósforo que nunca encendió nada" invita al público a replantearse el papel de la creación artística y los significados que atribuimos a la luz y la sombra en nuestras vidas y sociedades.

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In this multi-layered performance, Sábado takes us through a narrative that explores the tensions between creation and destruction, light and darkness, myth and contemporaneity. The work uses the metaphor of the match - a seemingly trivial object, but loaded with potential - to question the impact of human choices and the role of technology in art.

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Divided into three moments, the performance combines visual, verbal, sound and body languages to create a participatory and reflective experience. In the first moment, The News, the fictitious theft of the “last match of humanity” is presented to the public through a news projection and the performer, who assumes the role of a reporter. The second moment, The Myth, transports viewers into a timeless narrative about the seven children of darkness, each of whom carries a match with a divine purpose. The audience, eyes closed, is given lit matches as they are immersed in a story that reflects on the consequences of envy and the loss of creative potential. The climax comes in the third moment, Chaos and Revelation, where the tension grows with an anonymous tip and ultimatum. The audience, surrounded by sounds and images, is guided into a state of uncertainty, until the performer makes a final revelation. 

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The work reflects on the intersection between mythical and chronological time, using technology - such as AI for images, sounds and animations - not as a substitute for human creativity, but as a tool to expand its boundaries. Mixing universal themes with contemporary elements, “Here Lies the Match that Never Lit Anything” invites the audience to rethink the role of artistic creation and the meanings we attribute to light and shadow in our lives and societies.